The Cage Voice

“To be sung without vibrato as in folk singing” è l’espressione usata spesso da John Cage nelle prefazioni alle sue composizioni vocali. “Folk singing” è un’espressione di ampio e ambiguosignificato, e non tanto denota una modalità performativa priva di “vibrato” – modalità che non necessariamente si identifica con uno stile di canto cosiddetto popolare – quanto piuttosto serve allo scopo di prendere le distanze da quel tipo di vocalità lirica che ha caratterizzato la musica colta occidentale dall’800 in avanti. Una posizione comune a molti autori del XX secolo che, come Cage, hanno preferito esplorare tipi di vocalità diverse da quella tipica della tradizione colta europea.   Un programma che ruota attorno alla Voce di John Cage, anche se abbiamo affiancato ai brani vocali alcuni classici per pianoforte preparato, ci ha avvicinato a un altro autore, molto caro al compositore statunitense, Erik Satie. Nella prefazione al brano per voce sola Sonnekus, infatti, Cage prevede “elsewhere with accompaniment any cabaret songs by Satie may be performed (at a distance from the audience)”.    Le due chansons di Satie inserite nel concerto, un’eclettica miscela di lirismo, ironia e tono arcaicizzante, sono state arrangiate per l’occasione per voce e chitarra, con l’intenzione di evidenziarne l’idea di vocalità intima, semplice ma duttile.    Il caso, il gioco – altri elementi tipici dello stile cageano che non sono presenti nei brani vocali di questo programma – vengono evocati in Ultima Rara Pop Song di Sylvano Bussotti.    Il brano, della serie delle Rare bussottiane, è composto per tre chitarre, ma prevede anche l’esecuzione solistica con suoni registrati, soluzione da me adottata per questa esecuzione, per la quale ho realizzato io stesso la registrazione.  L’apertura del programma abbiamo voluto dedicarla ad uno dei padri della musica statunitense, Elliott Carter, con un brano composto in età giovanile, nel quale l’autore sceglie di abbinare alla voce la chitarra in un ideale omaggio alle Lute Songs shakespeariane di John Dowland.

Stefano Cardi

FREON  http://www.freonmusica.com
Laura Polimeno, voce   Stefano Cardi, chitarra   Andrea Ambrosini, piano

Elliott Carter (1908) Tell me where is Fancy Bred (1938) per voce e chitarra Testo da Il Mercante di Venezia di William Shakespeare 

John Cage (1912-1992)  Sonata II, Primo Interludio  da Sonatas and Interludes for prepared piano (1946-48)     Four Walls (1944) Act I, Scene VII  per voce sola. Testo di Merce Cunningham

Erik Satie (1866-1925)  Deux chansons per voce e chitarra (arr. S. Cardi) Chanson medievale (1906) testo di Catulle Mendès
Chanson du chat da Ludions (1923) testo di Léon-Paul Fargue

John Cage     Sonata V; Sonata XII  da Sonatas and Interludes for prepared piano (1946-48)                   

John Cage Experiences n.2 (1948) per voce. Testo da Sonnets – Unrealities of Tulips and Chimneys di Edward Estlin Cummings

John Cage The Wonderful Widow of Eighteen Springs (1942)
per voce e piano  Testo da Finnegan’s Wake di James Joyce

Sylvano Bussotti (1931)  Ultima Rara Pop Song (1969) per chitarra e suoni registrati (versione S. Cardi)

In collaborazione con Festival miXXer (Conservatorio Frescobaldidi Ferrara

Durante il concerto verranno esposte due opere di Lorenzo Indrimi dal titolo “I Want to Say Something About John”.
L’artista romano intende così ricordare una Collettiva del 1971 che si tenne all’Università di Maryland dal titolo “Editions in Plastic”.
In quella occasione, insieme ad altri artisti, John Cage e Lorenzo Indrimi parteciparono con dei lavori in plexiglas dal titolo, rispettivamente: “Not Wanting to Say Anything About Marcel” (Cage) e Balancing Object (Indrimi).

26 Giugno 2012 h 20.00, Sala Casella, Accademia Filarmonica Romana, via Flaminia 118. Roma

Concerto nell’ambito della manifestazione “I Giardini di Luglio” dell’Accademia Filarmonica Romana (25 giugno- 8 luglio 2012)
http://www.filarmonicaromana.org/

Programma7_7

Venerdì 25 Maggio 2012 ore 11 – Benevento

Conservatorio Statale di Musica Nicola Sala

Sabato 26 Maggio 2012 ore 11 – Frosinone

Conservatorio Statale di Musica Licino Refice

Masterclass di Pascal Gallois sulle tecniche del fagotto contemporaneo

Il seminario dedicato al fagotto e alle nuove tecniche esecutive della musica d’oggi affronta aspetti d’interpretazione del  repertorio moderno e contemporaneo con particolare riguardo per la musica da camera francese e italiana. Durante l’incontro verrà presentato il suo trattato sul fagotto dal titolo  La technique du basson recentemente pubblicato dalla casa editrice tedesca Baerenreiter

Domenica 27 maggio – ore 21.00 – Roma, Sala Casella (Via Flaminia, 118)

Concerto

Charles Camille Saint-Saëns (1835 – 1921)

Sonata (1921) per fagotto e pianoforte

Henry Dutilleux(1916)

Deux Sonnets de Jean Cassou per fagotto e pianoforte (prima esecuz. italiana)

Bruno Mantovani(1974)

Un mois d’octobre per fagotto e pianoforte (2001)

Gilbert Nouno

lavoro per fagotto ed elettronica (prima esecuzione assoluta)

Geoffroy Drouin (1970)

Eco per Luciano per fagotto ed elettronica

Luciano Berio (1925 – 2003)

Sequenza XII (1995) per fagotto

Il concertointende esplorare le possibilità espressive del fagotto – strumento a volte dimenticato nella musica da camera del XIX secolo – a partire dalle sonorità francesi d’inizio Novecento e dalle novità linguistiche di autori della Francia del dopoguerra (quali Henri Dutilleux), fino ad arrivare alle espressioni contemporanee. In tale percorso spazio-temporale i lavori figli del XXI secolo – rappresentati in questa sede da composizioni di Bruno Mantovani, Geoffroy Drouin, Gilbert Nouno – si configurano come i risultati di una ricerca estrema ai limiti dello strumento, che non può prescindere dalla lezione della SequenzaXII di Luciano Berio.

S’inizia con la Sonata Op. 187 per fagotto e pianoforte di Charles Camille Saint-Saëns, una delle tre sonate composte nell’ultimo anno di vita (insieme alla Sonata Op. 166 per oboe e pianoforte e alla Sonata Op. 167 per clarinetto e pianoforte), proprio con l’intenzione di incrementare il repertorio dello strumento. È costruita su tre sezioni: I. Allegro moderato, II. Allegro scherzando, III. Molto adagio – Allegro moderato. Tale brano si pone nella serata come punto di partenza nell’ideale percorso della musica per fagotto, divenendo premessa fondamentale alle strade intraprese nei decenni successivi.

I Deux Sonnets de Jean Cassoudi Henri Dutilleux, originariamente scritti per baritono e pianoforte, vengono presentati in prima esecuzione italiana nella trascrizione per fagotto e pianoforte firmata da Pascal Gallois nel 2011 con il consenso dello stesso compositore. Come spiega l’interprete, la trascrizione è stata suggerita dalla percezione della vicinanza dello strumento alla voce umana, derivata dalla particolare vibrazione dell’ancia doppia, dalla respirazione, dalla tessitura di tre ottave e mezzo (che scansiona l’intero spettro di voci maschili e femminili). La trascrizione per fagotto mantiene dunque la caratteristica “vocale” dei brani, assumendo al contempo una veste nuova, arricchita di inedite sfumature.

Le successive tre opere lasciano la parola alla Francia del Duemila. Inizia Un mois d’octobre per fagotto e pianoforte, brano composto nel 2001 da Bruno Mantovani,attuale Direttore del Conservatoire national supérieur de musique et de danse di Parigi. L’esecuzione si inserisce in un periodo particolarmente felice per le sue opere; tra le ultime e più prestigiose esecuzioni quelle presso il Concertgebouw d’Amsterdam, la Philharmonie di Cologne, il KKL di Lucerna. Il brano – composto per il Festival Ottobre in Normandia nel 2001 e proposto per la prima volta in Italia – sintetizza uno degli elementi caratterizzanti nel suo variegato catalogo: la predilezione di un tipo di composizione basato su una drammaturgia interna alla musica stessa. In tale ottica i materiali utilizzati, differenziati tra loro per articolazione, armonia, impatto sonoro, convivono in unità formale grazie a un sapiente montaggio che ne mette in luce analogie e contrasti, in un’ottica appunto “teatrale”.

Gilbert Nouno e Geoffroy Drouin, compositori in residenza presso l’Académie de France à Rome – Villa Medici, completano lo spazio dedicato al XXI secolo. Del primo viene presentato in prima esecuzione assoluta Caro diario, composizione per fagotto ed elettronica. La sua produzionetrae ispirazione daopere grafiche, design, arti visive, e utilizza spesso una forma aperta,ai marginidi improvvisazione escrittura. Eco per Luciano per fagotto ed elettronica di Drouin non vuole essere soltanto un omaggio esplicito alla Sequenza XII di Luciano Berio. Il riferimento a quest’ultimo – sancito (oltre che dal titolo) dal fagotto di Pascal Gallois, per il quale è stato pensato il brano e al contempo dedicatario della Sequenza – intende superare il rispetto reverenziale e distaccato per il compositore italiano, scegliendo piuttosto di assimilare e integrare quell’esperienza, e proporsi dunque come progetto autonomo.

Infine, come naturale conclusione, la Sequenza XII per fagotto di Luciano Berio, composta nel 1995 e dedicata espressamente a Pascal Gallois, la cui interpretazione è ormai indispensabile per la comprensione del lavoro stesso. Durante la genesi dell’opera l’interprete ha esplorato in modo sistematico la possibilità di eseguire nuove sonorità mediante una profonda analisi dello strumento. Dalla nota tecnica inserita dal compositore leggiamo che “Sequenza XII per fagotto è una sorta di ‘meditazione’ sul fatto che, forse più di ogni altro strumento a fiato, il fagotto si presenta, soprattutto nei registri estremi della sua estensione, con personalità contrastanti: con diverse morfologie, con diverse possibilità articolatorie e con diversi caratteri timbrici e dinamici”. Tale brano compendia il territorio conosciuto dello strumento ponendo però dei nuovi limiti tecnici ed espressivi, un punto di arrivo e partenza che sintetizza e chiarisce ulteriormente il senso di questo concerto.

Vera Vecchiarelli

Pascal Gallois fagotto

Reiko Hozu pianoforte

Tommaso Cancellieri elettronica

Pascal Gallois

Studia con M. Allard ottenendo il primo premio di fagotto all’unanimità presso il Conservatoire national supérieur de musique et de danse di Parigi. Dal 1994 al 2000 insegna presso il medesimo istituto. Nominato professore di fagotto presso la Hochschule Musik und Theater di Zurigo, dal 2002 insegna regolarmente anche a Darmstadt presso l’Internationales Musikinstitut. Membro dell’Ensemble Intercontemporain dal 1981, considera la pedagogia e lo sviluppo del repertorio i due fondamenti del suo lavoro di divulgatore: nel 1984 esegue in prima francese In Freundschaft per fagotto solo di K. Stockhausen. Da quel momento inserisce in repertorio numerose opere espressamente scritte per lui da importanti compositori, quali G. Kurtág, O. Neuwirth, P. Fénelon e B. Pauset. Nel 1995 L. Berio gli dedica la sua Sequenza XII per fagotto. Nello stesso anno crea la versione per fagotto del Dialogue de l’ombre double di P. Boulez. La sua incisione Pascal Gallois Dialogues (Stradivarius 2003) riceve il Coup de coeur de l’Académie Charles-Cros e il CHOC du Monde de la Musique.

Reiko Hozu

Nata in Giappone, vince un brillante primo premio alla J.S. Bach Competition di Tokyo. Nel 1996 riceve un Diploma di Solista dalla Staatliche Hochschule für Musik di Stoccarda, dopo aver studiato con O. Maisenberg. Entra poi nella classe di specializzazione di H. Francesch al Musikschule Konservatorium di Zurigo, dove ottiene il Premio Landolt. Lavora a stretto contatto con Y. Malinin, divenendo interprete privilegiato delle grandi opere russe e romantiche per pianoforte. In Francia matura la sua personalità artistica, lavorando tra gli altri con J. Hubeau, J. Koerner, J. Rouvier, A. Marion, R. Guiot, M. Auclair e J. Donn. È pianista ufficiale del Concours Long-Thibaud, del Jean-Pierre Rampal Flute Competition e del Concours Rostropovich di Parigi. Nel 2005 riceve il Premio Stockhausen dallo stesso compositore per la migliore esecuzione del Klavierstück X nell’ambito del Festival annuale di Kürten. I suoi récital includono brani di epoche che vanno dal Barocco alle prime esecuzioni assolute, nella ricerca di un dialogo tra il repertorio e le nuove opere. Dal 2000 è docente presso il conservatorio di Parigi.

Biglietti concerto: € 10,00 interi / € 5,00 ridotti

INFO TEL. 06.3700323 – info@nuovaconsonanza.it

LA BANDA E IL PIANOFORTE ROMANTICO

Alessandro Annunziata Follia* (2011) (1968) per banda sinfonica

Massimo Martinelli Liquid* (2011) (1965) per orchestra di fiati e orchestra Gamelan Degung

Ennio Morricone  Da Pitagora e oltre (2011) (1928) per banda sinfonica Sinfonia per Baarìa (2009) trascrizione per orchestra di fiati di Massimo Martinelli

Franz Liszt Il penseroso per pianoforte (1811-1886) da Années de pèlerinage. Deuxième Année. Italie (1837-1856) Sunt lacrymae rerum (En mode hongrois) per pianoforte da Années de pèlerinage. Troisième Année (1866-1877) Paolo Rotili 2CH* (2010-11) (1959) per pianoforte romantico, orchestra di fiati e percussioni

Mauro Cardi Parafrasi L (après Liszt)* (2011) (1955) per pianoforte e banda sinfonica

Emanuele Arciuli pianoforte    Banda dell’Arma dei Carabinieri Massimo Martinelli direttore

* prima assoluta

Il pianoforte e la banda, due tradizioni lontane, molteplici gli orizzonti musicali che si intrecciano, diverse le coordinate interpretative: nel bicentenario dalla nascita di Franz Liszt, e nell’anno delle celebrazioni per i 150 anni dell’Unità d’Italia, Nuova Consonanza presenta un concerto ricco di suggestioni, per festeggiare l’Italia attraverso i suoni di strumenti dalle tradizioni forti, e per scommettere sulle possibilità della musica di mettere in comunicazione passato, presente e futuro. Se la tradizione musicale del pianoforte non ha bisogno di presentazioni, quella della banda, invece, è stata a lungo trascurata. A metà strada fra il colto e il popolare, ‘terra di mezzo’ tra modernità e tradizione, la banda musicale ha avuto in Italia un ruolo storico di mediazione importante: diffondendo capillarmente le musiche ‘in voga’, quelle colte, quelle subcolte, senza limitazioni di genere, il suo repertorio ha conosciuto trasformazioni e aperture, provenienti dai diversi influssi delle ‘strade’ italiane. Roberto Leydi una volta scrisse: «Credo che sia arrivato il momento di fare i conti con le bande. Di incominciare cioè a considerare in modo serio e documentato la funzione che le bande hanno assolto nel passato per la formazione del gusto musicale, per la diffusione della musica, per la creazione di modi civili e collettivi di coesione e di solidarietà». Ed è quello che oggi Nuova Consonanza si propone di realizzare, gettando un ponte con la musica contemporanea. L’idea di riscattare questa tradizione, infatti, è alla base della composizione di Alessandro Annunziata scelta per inaugurare il concerto. Presentata qui in prima assoluta, Follia per banda sinfonica è costruita sopra una serie di variazioni su un tema dal sapore antico, un basso discendente con armonie semplici e riconoscibili, che si inserisce nel gioco di risonanze di un finale che ha il tono gioioso e folle delle feste popolari. Ancora in atmosfera grandiosa, Liquid di Massimo Martinelli, anch’essa in prima assoluta, apre al dialogo con un’altra tradizione orale forte: l’orchestra gamelan. Il concerto prosegue con due composizioni di Ennio Morricone, la prima, Da Pitagora e oltre, pensata specificamente per celebrare i 150 dell’Unità d’Italia e come omaggio al ruolo di mediazione culturale svolto dagli Istituti Italiani di Cultura all’estero in occasione della 54° Biennale di Venezia. «Alla ricerca di una storicità antica, risalendo il corso dell’evoluzione della musica fino alla scoperta della vibrazione della corda da parte di Pitagora», Morricone propone una esplorazione del sistema fisico con cui le colonne d’aria degli strumenti a fiato emettono i loro suoni, cercando l’armonia e la bellezza in un processo regolato dalla scienza. Da una composizione che celebra l’eccellenza italiana all’estero si passa a un interprete d’eccezione, Emanuele Arciuli, vincitore del Premio Abbiati come miglior solista 2010. Il pianoforte si riappropria del suo posto sul palcoscenico fino a fine concerto, attraversando modernità e tradizione sotto le sapienti dita di Arciuli e la novità del linguaggio musicale di Liszt. Il pianista sceglie infatti il compositore ungherese per il suo programma solista, ma la prospettiva con cui viene vissuto è triplice: un omaggio per il bicentenario lisztiano, un regalo all’Italia (il secondo e il terzo degli Années de pèlerinage sono sottotitolati Italie) e una dedica all’amico e collega Antonio Sardi de Letto, prematuramente scomparso nel maggio di quest’anno. Con questi dati in mente, Il penseroso e Sunt lacrymae rerum di Liszt porteranno l’ascoltatore verso una dimensione più intima dell’esperienza musicale, in cui ognuno potrà scegliere quale percorso di ascolto intraprendere. È ciò che succede anche in 2CH per pianoforte romantico, orchestra di fiati e percussione, prima assoluta di Paolo Rotili: è ancora la tradizione del pianoforte a prevalere, ma nell’esperienza d’ascolto si intrecciano due prospettive diverse, e la dualità è assunta come elemento compositivo. Nelle intenzioni del compositore «2 sono gli autori di cui si omaggia il genetliaco: Schumann e Chopin. 2 le parti (con cornice orchestrale), 2 gli interventi del pianoforte, 2 le logiche compositive (una dialettica compositiva tra rigido/organizzato e libero/rapsodico), “Ch” sono le lettere/suono contenute nei loro nomi», mentre l’orchestra di fiati e le percussioni, pensati qui come ‘contesto’, rimandano a un’attenzione tutta romantica nei confronti del timbro. Infine, conclude il concerto un’altra prestigiosa prima assoluta, un lavoro capace forse di sintetizzare le molteplici spinte e le diverse prospettive interpretative della serata: Parafrasi L (après Liszt) per pianoforte e banda sinfonica di Mauro Cardi «rielabora materiali lisztiani, immergendoli in un contesto linguistico altro e traendone linfa per percorsi eterodossi. Il solista e l’orchestra di fiati si sostengono e contrappongono cercando proprio nella loro enorme distanza, tecnica, storica e culturale, le ragioni di un rapporto non dato, ma tutto da ricercare o costruire». Elisa Novara

Il concerto conclusivo del progetto De Musica 2011, interamente affidato alla viola di Christophe Desjardins, prevede l’esecuzione di due opere particolarmente dense ed importanti: la Partita n. 2 di Bach (nella trascrizione per viola) e Partita I di Philippe Manoury per viola e dispositivi elettronici in tempo reale.

L’accostamento delle due composizioni è forse il più suggestivo ed efficace espediente per avvicinare la raffinata poetica del compositore francese nella sua originale, attenta ricerca di un’interazione flessibile tra musicista e macchina, un’attitudine che aspira a un contatto fisico con lo strumento per indagarne tutte le sfumature del non-detto, che percepisce l’unicità di ogni interpretazione, penetrandone le pieghe più intime e profonde. Perno del sistema ‘Partita’ è infatti proprio l’interpretazione: un metodo particolare riconosce ogni dettaglio impresso dal musicista e le diverse caratteristiche nell’esecuzione dell’arco (pressione, posizione, velocità etc.) percepite dall’elettronica in tempo reale generano reazioni differenti per ogni variazione di gesto, intrecciando un rapporto strettissimo e costruttivo con l’esecutore. Dal non-detto, da ciò che il segno in partitura non sancisce ma soltanto suggerisce, nasce la verità del pezzo e in ciò è chiaro l’accostamento con l’opera di Bach, evocato dallo stesso Manoury: «è sufficiente prendere l’esempio delle suites per strumento solo di Bach, nelle quali non figura alcuna indicazione di tempo, sfumatura o espressione, per farsi un’idea di tutto ciò che un interprete deve ‘completare’ per produrre un discorso musicale che abbia un senso. Una grande parte di oralità si innesta sullo scritto perché la musica si compia. Non si tratta di improvvisazione ma di spazio dell’interpretazione. Questo tempo dell’interpretazione è fondamentalmente un ‘tempo reale’».

Così un gesto dà vita a numerose prospettive sonore e gli elementi del materiale iniziale (suoni acuti, ripetizioni, trilli, balzato, tremolo, crescendo, polifonia) sono illuminati e sfumati continuamente, ogni elemento rispecchiandosi negli altri in un reciproco gioco di allusioni, visioni e rievocazioni; le nove parti che compongono l’opera, lontane dal creare i contrasti netti che caratterizzano la forma barocca d’origine, si incatenano senza soluzione di continuità e il rapporto del solista con l’elettronica si trasforma fino a raggiungere la fusione meditativa. Manoury ha bisogno di spazio e di tempo per dispiegare le sue concezioni, secondo il principio per cui le idee celano in sé stesse i loro tempi di articolazione, e si muove volentieri in una forma ampia, conquistatrice, organica, la cui coerenza globale non esclude però sorprese improvvise e aperture inaspettate, come ci ricorda anche la fine di Partita, quando le sonorità sferiche del glissando di armonici si confrontano con la visione allucinata della quinta conclusiva di Winterreise di Schubert, introducendo l’ascoltatore verso un percorso del tutto nuovo.

Ma se a tratti la visione dei sentieri che si biforcano sembra rinviare al modello letterario-Borges, è con Stockhausen che Manoury condivide in realtà il vero interesse per la percezione dell’ascoltatore e la conseguente tendenza a manipolare strutture riconoscibili, nelle quali anche i segnali più opachi e ambigui sembrano volersi aprire per risolvere nel modo più chiaro e naturale. È importante ciò che la musica inventa in noi, la portata di tutti quegli eventi inascoltati che ci spinge al confronto con una dimensione onirica, contemplativa, quasi di luce sottomarina e archetipale. Stockhausen e Boulez dunque i riferimenti della formazione iniziale, le conferenze a Parigi negli anni ’70, l’ascolto di Mantra, momenti ‘iniziatici’ che marcano incisivamente l’ottica intellettuale e metodologica dell’artista Manoury, per il quale l’etica della composizione pervade le tecniche stesse, come se l’intero tessuto di ramificazioni e proliferazioni della costruzione musicale costituisse in realtà anche un reticolato per dare un senso leggibile alla complessità del mondo. «A mio avviso il musicista è qualcuno che può captare elementi sociali attuali (la società produce dei suoni) e giungere a trasformarli in una forma artistica. È un confronto tra la sua storia personale e il mondo nel quale egli si evolve». Ed è in questa visione che si inserisce anche la ricerca profonda condotta nell’elettronica in tempo reale, la repulsione verso la trasformazione passiva delle strutture, la necessità condivisa a pieno con Boulez di costruire un tempo reale veramente potente e interattivo, come dimostrano gli intensi anni di lavoro all’Ircam con Giuseppe di Giugno e Miller Puckette e il ciclo di opere per vari strumenti Sonus ex machina che proprio da quell’esperienza ha tratto la vita.

È dunque un rapporto complesso quello che l’artista stabilisce con il suono sintetico, un rapporto dialettico che lo spinge a oltrepassare frontiere importanti e a confrontarsi con realtà a lui estranee e lontane come quella dei performers, di cui non condivide il gusto estetico ma apprezza l’immediatezza del gesto strumentale e la relazione istantanea tra esecutore ed elettronica. Esperienze disparate, che si integrano nel compositore attraverso una ricerca rigeneratrice del modo di vivere l’elettronica, una rivalutazione consapevole dell’atto esecutivo nella sua fisicità, un’attitudine che torna ad esaltare lo spettacolo ‘dal vivo’, riconoscendone tutto il fascino insostituibile e unico.

Alessandra Ciccaglioni

FESTA GRANDE AL BAR

Insieme a una mezza dozzina di scapoli stanziali, e qualcuno di passo, tutte le mattine ci sediamo per cappuccino e giornale al solito bar, un locale mondanissimo di sera, ma di giorno familiare. Oggi festa grande. Si è rotto l’impianto e quindi stiamo senza musica. Una vera delizia, si sentono le chiacchiere smorzate, il fruscio dei giornali, e ogni tanto il digrignare del macinacaffè. Con l’eccezione di oggi (speriamo che il guasto sia grave e duri qualche altro giorno) la musica di sottofondo implacabile, onnipresente, e spesso brutta ci appesta qui come dappertutto.

Parliamo di musica vera. 18 novembre, concerto di apertura del Festival di Nuova Consonanza. E’ il quarantottesimo. Una bella grinta da parte loro, e gratitudine da parte nostra perché è quasi mezzo secolo che ci portano cose nuove da ascoltare. In programma tre composizioni per quartetto d’archi: Cage, Fedele, Reich. Quartetto Prometeo, eccellente. Interessanti le musiche, ma qui, come spesso con la Musica Contemporanea viene fuori il problema. Oltre a interessare, può un brano di MC piacere? Ecco, la risposta può essere, al massimo “forse”. Perché dopo anni di ascolto, curiosità e tuffi nella sperimentazione ci accorgiamo che per poter dire che un brano ci è piaciuto dobbiamo trovarci dentro la canzone. Termine usato precisamente a scopo provocatorio. Vogliamo dire che per ricordare una musica (insieme all’emozione che ci ha dato) dobbiamo poterci aggrappare a una melodia, a uno schema armonico, a una cellula ritmica, insomma a qualcosa di riacchiappabile, magari non per fischiarlo sotto la doccia, ma almeno per ricostruircelo in testa.

Il brano di Reich si intitola “Different trains” e nelle note di presentazione ci ha colpito una frase spiritosa dell’autore, ebreo: “Negli anni trenta-quaranta, da bambino in USA ho molto viaggiato in treno, e ora che mi guardo indietro penso che se fossi rimasto in Europa in quel periodo avrei dovuto viaggiare su treni molto differenti” E’ possibile che questo nostro modo di vedere, o meglio, di ascoltare appaia incolto, ma è comunque sostenibile. In fondo, in tutta la musica, classica e non, i brani che rimangono sono quelli che hanno dentro un tema. O anche solo un qualcosa di memorabile. Prendiamo le due note iniziali, di cui la prima ribattuta tre volte, della Quinta. Cosa c’è di più riconoscibile e universale, anche se non è propriamente un tema? Era addirittura la chiave di apertura di Radio Londra durante la guerra. Nel concerto successivo, abbiamo ascoltato, fra le altre, la composizione di Ada Gentile, “Una memoria nell’ombra”, cupa, quasi lugubre, con il violoncello che bramisce come un cervo ferito. Questo ci piace, l’uso degli strumenti irrispettoso dell’accademia. Naturalmente non sempre riesce bene, questa volta sì; ma vale comunque la pena di ascoltare i tentativi. Nell’organizzazione dell’evento, una trovata intelligente: buio in sala fra un brano e l’altro per togliere d’imbarazzo gli ascoltatori che altrimenti non sanno mai quando il pezzo finisce. Nella stessa serata ci ha stupito l’operina di Lucio Gregoretti “Cara Italia, alfin ti miro”, su libretto, o meglio, su testo di Giorgio Somalvico. Molto divertente, e non è facile davvero poterlo dire di una composizione contemporanea. Lo abbiamo già con piacere constatato ascoltando un altro lavoro dello stesso autore. Una musica arguta, leggera ma sparsa di citazioni piazzate a proposito, su un testo altrettanto gustosamente in equilibrio fra orpelli ottocenteschi e banalità attuali.

PS. Cambiamo del tutto argomento. Che dire di quei mendicanti, tutti ugualmente bisognosi (questo lo diciamo solo e ipocritamente per essere politically correct) che con voce lagnosa e facce da tagliagola invocano pane per i loro bambini? O di quei mucchi di stracci che in strada ti trovi, arroganti, fra i piedi, e poi si rivelano vecchine con il barattolo per gli spiccioli? A noi viene voglia di prendere una bella rincorsa e calciarlo, quel barattolo, sull’altro lato della strada. Così come il finto zoppo ci invita allo stesso impietoso calcione contro la sua stampella tremolante ad arte. La facciamo l’elemosina, qualche volta, certo, ma solo a chi ci mostra un minimo di senso dello spettacolo, o comunque ci fa sorridere. Ne abbiamo una, irresistibile, da raccontare. Ci è costata quattro euro, ma ben spesi.

Milano, Via Montenapoleone, davanti allo sciccosissimo Bar Cova, una meravigliosa Ferrari rossa parcheggiata. Accanto, in piedi sul marciapiede, un giovanotto male in arnese. Ci ferma e ci fa, indicando l’auto: “Siniore, mia machina consuma tropo. Da’ me duo euro per pagare benzina”. Rumeno spiritoso, non potevamo non darglieli. Mezz’ora dopo ripassiamo dallo stesso punto. La Ferrari rossa si sta allontanando, ovviamente con il legittimo proprietario al volante. Il giovanotto, sempre lui, ci fa un gran sorriso e: “Siniore, quello me ha rubato machina. Da’ me duo euro per fare denuncia”.

Che avreste fatto voi?

L’archivio del Cavalier Serpente, o meglio la covata di tutte le sue uova avvelenate, sta al caldo nel suo blog. Per andare a visitarlo basta un click su questo link: http://blog.libero.it/torossi

 Vivere la musica

incontro con Roman Vlad

 L’Accademia Filarmonica Romana, il Dipartimento Comunicazione e Spettacolo (Università degli studi Roma Tre)e l’Associazione Nuova Consonanza sono lieti di presentare la giornata dedicata a Roman Vlad e alla cultura e musica romena. In occasione della presentazione del volume di Roman Vlad Vivere la musica, sarà proiettato il documentario sul musicista romeno, Variazioni su Roman Vlad di Michele Picchi e Andrea Cataudella e per concludere il flautista Mario Caroli proporrà, tra gli altri, pezzi di George Enescu e Doina Rotaru, tra i musicisti romeni più conosciuti.Il concerto conclusivo è organizzato da Nuova Consonaza in collaborazione con l’Institutul Cultural Român di Bucarest.

Di seguito il programma dettagliato.

 Sala Casella, via Flaminia 118 Mercoledì 30 novembre

ore 18

in occasione della presentazione del volume di Roman Vlad

Vivere la musica

un racconto autobiografico

Einaudi Editore

a colloquio con Roman Vlad
presidente onorario della Filarmonica Romana

Interverranno Silvia Cappellini Sinopoli e Vittorio Bonolis, curatori del libro.
con Sandro Cappelletto, Stefano Catucci, Michele Dall’Ongaro

 «Il potere della musica è di un’estensione enorme. La musica può evocare le onde del mare, il fruscio del fogliame, il sibilare del vento, i sentimenti o può anche servire semplicemente per regolare la vita in caserma. Però, quando è veramente nel suo regno, non può piú essere riferita a niente, né a delle parole, né a delle immagini: la musica è sempre stata necessaria». (Roman Vlad)
Compositore prolifico e versatile, pianista e musicologo, uomo di profonda e vasta cultura, presidente onorario dell’Accademia Filarmonica Romana di cui è stato direttore artistico, Roman Vlad per la prima volta apre lo scrigno della sua memoria per restituirci le vicende della sua lunga e avventurosa esistenza che abbraccia quasi un secolo della nostra Storia: i fatti, gli affetti, gli eventi, gli incontri – da Alfredo Casella a Igor Stravinskij a Riccardo Muti. Pagina dopo pagina, dall’infanzia in Romania agli studi nella Roma fascista, ai grandi successi ottenuti in tutto il mondo, Vlad ci regala un vivido spaccato del Novecento culturale.

Ingresso gratuito

ore 19.45

Variazioni su Roman Vlad

un documentario di Michele Picchi e Andrea Cataudella

(2011, durata 45′)

 Il documentario è stato prodotto dal centro produzione audiovisivi del Dipartimento Comunicazione e Spettacolo dell’Università degli studi Roma Tre. Racconta la complessa e poliedrica attività musicale di Roman Vlad. Figura di grande prestigio che ha attraversato, nel corso della sua lunga vita, tutte le possibili accezioni del “fare musica”, quasi, potremmo dire, in un onnivoro desiderio di abbracciare l’arte musicale in tutte le sue fattezze e dimensioni culturali. La struttura del documentario intende ispirarsi a questa ricchezza e varietà, delineando appunto con delle “Variazioni” le tappe della sua vita e della sua carriera. Il nostro ritratto di questo straordinario e ancora energico uomo di 92 anni, mostrerà brani di due concerti di sue musiche eseguite di recente a Roma, di cui una di esse è una Prima Assoluta, alternati alla lezione tenuta dal Maestro all’Università Roma 3 dove parla delle sue più di cento colonne sonore scritte per il cinema. Alternando presente e passato, il Vlad di oggi intervistato nella sua casa romana, e quello di ieri dello svariato materiale di archivio, entreremo nei temi più cari e importanti della sua vita. Dal fondamentale incontro con il maestro Alfredo Casella all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma, preludio alla sua lunga e molteplice attività svolta in quello che si può considerare il suo secondo paese, l’Italia. Alla sperimentazione nella musica elettronica di cui fu tra i pionieri. Compositore, pianista, teorico, divulgatore, prestigioso direttore artistico di enti lirici e sinfonici, la sua attività ha attraversato il ‘900 partecipando ai fatti musicali principali di questo secolo.

In questa compenetrazione di differenti doti e approcci musicali che si intersecano e si esaltano, la vita del maestro Vlad è come se racchiudesse in sé tutte le suggestioni della musica, delle sue possibilità e delle sue attuazioni. L’essenza profonda di questa passione totale per la musica si traduce anche in una capacità unica di trasmetterla.

 Ingresso gratuito

ore 21

In collaborazione con l’Institutul Cultural Român di Bucarest

CANTABILE E PRESTO récital per flauto e pianoforte

Johann Sebastian Bach Sonata in sol minore BWV 1020

Felix Mendelssohn Bartholdy Sonata in fa minore op.4 (1823)

George Enescu Cantabile e Presto (1904)

Doina Rotaru Crystals (2002)

André Jolivet Chant de Linos (1944)

Mario Caroli flauto

Horia Maxim pianoforte

Ingresso a pagamento

Nell’ambito del 48° Festival, Nuova Consonanza prende spunto dai festeggiamenti sui 150 anni dell’Unità d’Italia per proporre una riflessione sulla storia e sul passato. Questa serata diviene dunque occasione per instaurare un dialogo trasversale sia nello spazio – dando voce a interpreti e compositori della Romania – che nel tempo, mediante un programma comprensivo di oltre tre secoli di musica. Grandi protagonisti del récital sono Mario Caroli e il pianista rumeno Horia Maxim.

L’intento proposto – senz’altro arduo poiché richiede uno sforzo maggiore nella fruizione del concerto – è realizzabile grazie alla facilità dei due artisti di passare indifferentemente dai grandi classici della letteratura musicale alle pagine più ardue del Novecento. E così la serata muove dalla Sonata BWM 1020 di Johann Sebastian Bach fino ad arrivare agli albori del XXI secolo con Crystals di Doina Rotaru. Ma qual è il filo rosso che autorizza la compresenza di brani tanto diversi e lontani tra loro? Il confronto con alcune delle più importanti tappe della storia della musica, quali le composizioni di Bach o Mendelssohn, diviene un sostegno alla comprensione delle tendenze del presente o dell’immediato passato, oltre che un modo per recuperare un contatto con una storia spesso ripudiata. Un simile excursus permette inoltre di toccare con mano l’evoluzione tecnica del connubio di flauto e pianoforte e il trasformarsi del loro linguaggio sotto la guida di due esecutori d’eccezione.

Dopo l’esordio con Bach un tuffo nel Romanticismo, con la Sonata in fa minoreop. 4 di Felix Mendelssohn Bartholdy. Originariamente scritta per violino e pianoforte, questa assume nella trascrizione per flauto una veste rinnovata, ricca di inedite sfumature.

L’approdo al Novecento dà voce alla Romania, con le composizioni di George Enescu e Doina Rotaru. Di Enescu è il terzo brano in programma, Cantabile e presto. Composto nel 1904, occupa simbolicamente il centro del concerto, a testimonianza del punto di svolta e rottura del linguaggio musicale di inizio secolo. Tale composizione concilia, nell’alternanza di dimensione melodica e virtuosistica, la compresenza di diverse influenze culturali: da quelle derivanti dalla propria terra di origine, con il suo stile tipicamente cantabile e malinconico, a quelle acquisite in Francia negli anni di studio e apprendistato con Jules Massenet e Gabriel Fauré. Composto novantotto anni dopo (2002), Crystals di Doina Rotaru inserisce le suggestioni della Romania in un discorso musicale prettamente simbolico, e l’antico folklore rumeno sprigiona tutta la sua carica fortemente nostalgica. I due compositori danno voce allo stesso Paese ma a un secolo di distanza, traducendo nel loro personale linguaggio un inequivocabile contatto con la propria terra di origine.

Per cogliere il senso del successivo Chant de Linos del francese André Jolivet è opportuno risalire al senso del titolo, che rimanda al lamento funebre praticato nell’antica Grecia. La compresenza in detta usanza di lamento, di grida interrotte dal pianto e di danza costituisce la base su cui è costruita la composizione: il flauto intona un canto di dolore, plasmando così un clima di lutto composto, spezzato da improvvisi scoppi di energia e violenza. Il brano, nato volutamente come pezzo virtuosistico per flautisti, diviene inoltre opportunità di esibizione tecnica.

Il collegamento con il mondo antico chiude in qualche modo il cerchio della serata, trascinando l’ascoltatore in un passato di gran lunga più remoto. Un percorso vario e dinamico, che regala al concerto un valore aggiunto, rendendolo cioè vera e propria esperienza conoscitiva.

Vera Vecchiarelli

CANTABILE E PRESTO récital per flauto e pianoforte

Johann Sebastian Bach Sonata in sol minore BWV 1020

Felix Mendelssohn Bartholdy Sonata in fa minore op.4 (1823)

George Enescu Cantabile e Presto (1904)

Doina Rotaru Crystals (2002)

André Jolivet Chant de Linos (1944)

Mario Caroli    flauto

Horia Maxim   pianoforte

In collaborazione con l’Institutul Cultural Român di Bucarest

Nell’ambito del 48° Festival, Nuova Consonanza prende spunto dai festeggiamenti sui 150 anni dell’Unità d’Italia per proporre una riflessione sulla storia e sul passato. Questa serata diviene dunque occasione per instaurare un dialogo trasversale sia nello spazio – dando voce a interpreti e compositori della Romania – che nel tempo, mediante un programma comprensivo di oltre tre secoli di musica. Grandi protagonisti del récital sono Mario Caroli e il pianista rumeno Horia Maxim.

L’intento proposto – senz’altro arduo poiché richiede uno sforzo maggiore nella fruizione del concerto – è realizzabile grazie alla facilità dei due artisti di passare indifferentemente dai grandi classici della letteratura musicale alle pagine più ardue del Novecento. E così la serata muove dalla Sonata BWM 1020 di Johann Sebastian Bach fino ad arrivare agli albori del XXI secolo con Crystals di Doina Rotaru. Ma qual è il filo rosso che autorizza la compresenza di brani tanto diversi e lontani tra loro? Il confronto con alcune delle più importanti tappe della storia della musica, quali le composizioni di Bach o Mendelssohn, diviene un sostegno alla comprensione delle tendenze del presente o dell’immediato passato, oltre che un modo per recuperare un contatto con una storia spesso ripudiata. Un simile excursus permette inoltre di toccare con mano l’evoluzione tecnica del connubio di flauto e pianoforte e il trasformarsi del loro linguaggio sotto la guida di due esecutori d’eccezione.

Dopo l’esordio con Bach un tuffo nel Romanticismo, con la Sonata in fa minoreop. 4 di Felix Mendelssohn Bartholdy. Originariamente scritta per violino e pianoforte, questa assume nella trascrizione per flauto una veste rinnovata, ricca di inedite sfumature.

L’approdo al Novecento dà voce alla Romania, con le composizioni di George Enescu e Doina Rotaru. Di Enescu è il terzo brano in programma, Cantabile e presto. Composto nel 1904, occupa simbolicamente il centro del concerto, a testimonianza del punto di svolta e rottura del linguaggio musicale di inizio secolo. Tale composizione concilia, nell’alternanza di dimensione melodica e virtuosistica, la compresenza di diverse influenze culturali: da quelle derivanti dalla propria terra di origine, con il suo stile tipicamente cantabile e malinconico, a quelle acquisite in Francia negli anni di studio e apprendistato con Jules Massenet e Gabriel Fauré. Composto novantotto anni dopo (2002), Crystals di Doina Rotaru inserisce le suggestioni della Romania in un discorso musicale prettamente simbolico, e l’antico folklore rumeno sprigiona tutta la sua carica fortemente nostalgica. I due compositori danno voce allo stesso Paese ma a un secolo di distanza, traducendo nel loro personale linguaggio un inequivocabile contatto con la propria terra di origine.

Per cogliere il senso del successivo Chant de Linos del francese André Jolivet è opportuno risalire al senso del titolo, che rimanda al lamento funebre praticato nell’antica Grecia. La compresenza in detta usanza di lamento, di grida interrotte dal pianto e di danza costituisce la base su cui è costruita la composizione: il flauto intona un canto di dolore, plasmando così un clima di lutto composto, spezzato da improvvisi scoppi di energia e violenza. Il brano, nato volutamente come pezzo virtuosistico per flautisti, diviene inoltre opportunità di esibizione tecnica.

Il collegamento con il mondo antico chiude in qualche modo il cerchio della serata, trascinando l’ascoltatore in un passato di gran lunga più remoto. Un percorso vario e dinamico, che regala al concerto un valore aggiunto, rendendolo cioè vera e propria esperienza conoscitiva.

Vera Vecchiarelli

L’era presente ci obbliga alla negazione delle certezze, e se dal punto di vista artistico ciò produce l’effetto di un’incessante ricerca, dal punto di vista della pianificazione dell’attività culturale tale stato di cose ci pone in mare aperto. L’articolo di Quirino Principe – Quest’Italia non ha più orecchio, pubblicato su Il Sole 24 Ore lo scorso 11 settembre – è espressione di un disagio complesso che va spiegato: ciò che spaventa è la precarietà, non solo quella di quanti lavorano nello spettacolo, ma la precarietà di un sistema cultura che, qui da noi, tale non è. È, infatti, un sistema non sistematico: chiunque lavori nel settore sa che siamo chiamati a ri-modulare finanziariamente i progetti sulla base di totali presunti che spesso restano tali, anche dopo lo svolgimento delle attività previste. Un processo infinito – un moto perpetuo diremmo noi musicisti – che può allungare le distanze dagli altri paesi europei. L’occupazione del Teatro Valle a Roma pone una serie di domande, tutte centrali: quanto conta per il nostro Paese la cultura e la musica? Si ritiene che esse siano determinanti per la formazione delle nuove generazioni? Si ritiene che esse siano veicolo di crescita e di sviluppo?

Noi, nonostante tutto, abbiamo deciso di proseguire, perché fermandoci tradiremmo noi stessi e faremmo torto a tutti: a quelli che hanno dedicato una vita all’arte e a quelli che vivendola come fruitori si pongono in dialogo con noi. Ancora una volta il dialogo ci pare l’unica via possibile per comprendere il mondo e la storia della musica. Il 48° Festival intende esplorare precisamente il rapporto e la relazione tra musiche e contesti storici diversi. Ci sono musiche che dialogano con la storia e musiche che se ne discostano e cercano altre strade, ma tutte rappresentano, in una sorta di affresco, quella molteplicità espressiva che caratterizza l’oggi.

I festeggiamenti del 150esimo dell’Unità ci ricordano che siamo identitariamente diversi, l’uno dall’altro, e che però abbiamo operato una scelta, sulla base di un comune sentire. L’arte e la musica, in particolare, ci aiutano a trovare i nessi mancanti, e facendosi veicoli di memoria collettiva e sociale, si spera possano, per dirla con Baricco, «ricomporre il filo di una fiducia, tra compositori e ascoltatori, che sembra davvero perduto».

Nella Festa d’Autunno dal titolo 150 Canta, note sull’Unità d’Italia, il filo rosso è la memoria storica: i diversi riferimenti a Garibaldi, l’uso di strumenti della tradizione popolare italiana che molto hanno contribuito alla diffusione del cosiddetto patrimonio ‘colto’, si uniscono a progetti sperimentali di particolare interesse artistico e tecnologico con dieci prime assolute, due nuove installazioni, una colonna sonora e un sound art project.

Poi ci sono i luoghi, anch’essi carichi di significati e di memoria. Ricordiamo che la Festa si svolge il 20 novembre a Villa Aurelia, adiacente a porta San Pancrazio (oggi sede del Museo della Repubblica Romana e della Memoria Garibaldina, visitabile durante la manifestazione). È questo un luogo di rilevante interesse storico per le vicende dell’assedio di Roma del 1849, in cui il governo della Repubblica Romana guidato da Mazzini rifiutò di arrendersi, e Garibaldi con la sua Legione Italiana combatté strenuamente l’attacco dei francesi. Senza concedersi a nostalgie per i moti passati, appaiono di grande attualità le parole di Mazzini in una lettera ai romani: «Voi deste luminosa testimonianza di coraggio militare; sappiate darla di coraggio civile». Dunque in questo delicato momento storico c’è bisogno di coraggio civile, soprattutto in difesa della cultura e della formazione. Ed è forse questo il vero nodo su cui dibattere. Altrimenti, come spesso è accaduto, si discute nei salotti, di musica, del sistema cultura e se ne discute un po’ aristocraticamente, a pancia piena, mentre fuori il quadro è desolante e la musica non c’è più. I Risorgimenti Sconcertanti – il cui testo è stato scritto appositamente da Giorgio Somalvico – restituisce un’osservazione ironica e sarcastica dell’Italia attuale, col dichiarato intento di «rilevare curiose Anomalie di Compleanno, Leghe Lombarde a fini Ribaltati, Regni vaticinati da Repubbliche e quant’altro potesse dell’Attuale funger da Paradosso col Remoto»; debutteranno, inoltre, Damiana Mizzi e Marco Severin, due giovani cantanti provenienti dall’Opera Studio dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia.
L’installazione Voci di terra su frammenti di poesie italiane rimanda a un’identità italiana composta dalla convergenza di diverse culture. La sonorizzazione del film muto Il Piccolo Garibaldino ci riporta alle cinque giornate di Milano, sino alla breccia di Porta Pia. Fisarmonica oggi e il Focus Italia-Usa richiamano il valore di alcuni strumenti di estrazione non colta che riuscirono a divulgare opere nate in un contesto artistico elevato, offrendo uno spunto di riflessione sul ruolo della musica nella società. So che ti perderò, malinconico titolo del breve spettacolo, su testo di Claudia Cappellini a cura di Sandra Del Maro, è dedicato a una canzone di Chet Baker arrangiata da Ennio Morricone, e traccia i numerosi legami tra la cultura americana e quella italiana. Infine Spinoza und der Fisch, sound art project di Alessandro Bosetti prodotto dalla Deutschlandradio Kultur di Berlino, ci offre un’immagine dell’attuale Eritrea che appare come il paesaggio distorto e immobile di un’Italia pre-bellica.
La Festa continua ad essere, come lo scorso anno, un momento di incontro tra Roma e i paesi che hanno ospitato I luoghi del suono, itinerari musicali di Nuova Consonanza dalla valle dell’Aniene a Roma Capitale.

Anche il concerto inaugurale del 18 novembre si pone, per alcuni aspetti, sulla via della memoria, ma al contempo rilancia nuove sfide: l’esecuzione del brano di John Cage – cui Nuova Consonanza è particolarmente legata – si unisce all’omaggio a Ivan Fedele, uno dei compositori italiani che meglio ha saputo farsi apprezzare nel mondo e che oggi ricopre la cattedra di composizione dei corsi dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia che fu di Goffredo Petrassi.
Il concerto del 30 novembre Cantabile e Presto ripercorre alcuni capolavori musicali del passato e significativi per la musica d’oggi attraverso la sensibilità interpretativa di Mario Caroli al flauto e di Horia Maxim al pianoforte; un programma comprensivo di oltre tre secoli di musica che offre un viaggio nel tempo da Johann Sebastian Bach a George Enescu, André Jolivet e Doina Rotaru, tre compositori impegnati in una scrittura compositiva che affonda le radici nella grande tradizione della storia musicale.

Nuova Consonanza prosegue, per il suo secondo anno, un rapporto di felice collaborazione con l’Accademia Filarmonica Romana, presentando il 4 dicembre la serata Serenata per il XXI secolo, con un programma che muove da Goffredo Petrassi, interprete indiscusso della didattica della composizione dal 1960 al 1978, per arrivare al giovane Matteo Franceschini. Offre inoltre un omaggio ad Aldo Clementi, nostro socio fondatore recentemente scomparso, e a Guido Baggiani, che svela le nostre attuali inquietudini: «le mutazioni [di cellule sonore] sono spesso ricorsive ma non preannunciate, mimando forse ritmi e catastrofi del nostro tempo».
Dal 12 al 16 dicembre il consueto De Musica, workshop di composizione, tenuto quest’anno da Philippe Manoury. Si tratta di un compositore di grande respiro: in settembre ha debuttato con la nuova opera La Nuit de Gutenberg all’Opéra national du Rhin di Strasburgo e proprio con il lavoro Partita I per viola ed elettronica ha vinto il Diapason d’or 2008. Christophe Desjardins, dedicatario del brano e interprete tra i migliori al mondo, la eseguirà il 16 dicembre insieme alla Partita n. 2 di Johann Sebastian Bach. Un confronto interessantissimo – non l’unico nel festival, tra Bach e gli altri – che svela quanto radicata sia la lezione del contrappunto bachiano e quante virtualità risiedano nel suo linguaggio.

Il 48° Festival chiude il 19 dicembre con il pianoforte di Emanuele Arciuli, premio Abbiati 2011. Programma stimolante con la musica d’oggi che prende spunto da alcuni autori romantici.

La XIV edizione del Concorso Internazionale di Composizione Franco Evangelisti, rivolto a partiture per sassofono ed elettronica – il cui vincitore è stato Elvio Cipollone, con menzione speciale ai lavori di Pierre-Alain Jaffrennou e Luigi Ceccarelli – si è svolto nell’ambito del Festival Emufest, segnando un proficuo rapporto di collaborazione con il Conservatorio di Musica Santa Cecilia di Roma.

Nuova Consonanza ringrazia il Ministero dei Beni Culturali, l’Assessorato alle Politiche Culturali e al Centro Storico di Roma Capitale e l’Assessorato alle Politiche Culturali della Provincia di Roma per aver sostenuto la realizzazione del Festival insieme all’American Academy in Rome, Conservatorio di Musica Santa Cecilia, Rai-Radio3, Edizioni Suvini Zerboni, Istituto Culturale Romeno di Bucarest, l’Enpals – Fondo PSMSAD e tutti gli amici e soci che hanno contribuito con il loro prezioso lavoro.

Fausto Sebastiani
Presidente Nuova Consonanza

laboratorio didattico con esposizione di opere in ceramica

ed installazione d’arte elettroacustica

progetto a cura di Debora Mondovì

installazioni a cura di Terra & Bits – gruppoartelettroacustica

 Musei di Villa Torlonia, Casina delle Civette

Roma, via Nomentana 70

 Inaugurazione 11 ottobre 2011, ore 15.30

11 ottobre – 20 novembre 2011

 Il progetto Terra delle Risonanze si propone di realizzare il connubio tra natura, arte, scienza e tecnologia, attraverso un laboratorio didattico sulla ceramica ed un’installazione d’arte elettroacustica presso gli spazi della Casina delle Civette di Villa Torlonia.

Il laboratorio didattico, tenuto da Debora Mondovì, è organizzato secondo un doppio calendario. Il giovedì e il venerdì mattina, dalle 10.00 alle 13.00, come decentramento del laboratorio di ceramica degli allievi del Centro Diurno Palestro, i quali per l’occasione realizzeranno un pannello decorativo composto da diversi frammenti, consistenti in piccole lastre a bassorilievo, ricomposti secondo un criterio unitario, in modo che l’opera diventi così simbolo di unione tra idee, culture, colori e grafie differenti, pur mantenendo sempre riconoscibile l’individualità di ogni frammento/persona. L’opera verrà donata alla Biblioteca delle Arti Applicate che ha sede nel Museo della Casina delle Civette. Il martedì ed il venerdì pomeriggio, dalle 15,00 alle 18.00, il laboratorio sarà invece aperto gratuitamente a tutti, previa prenotazione, per un massimo di 10 allievi a incontro; per prenotare rivolgersi al 3402382237 o tramite mail a mondovd@tiscali.it, oppure presso La Casina delle Civette durante gli orari dei laboratori.

Attraverso questa esperienza creativa ci si pone l’ obiettivo di offrire l’opportunità a più persone di entrare in relazione con il vasto mondo della ceramica. Durante i laboratori saranno organizzati, secondo disponibilità, alcuni incontri con gli artisti/ceramisti.

 La sala espositiva della Casina delle Civette ospita una serie di opere in ceramica realizzate con differenti tecniche quali il raku, la porcellana, il gres, le terre sigillate, il paperclay, le terre refrattarie, gli smalti su maiolica e le riproduzioni, in modo da offrire al pubblico la possibilità di addentrarsi nel vasto mondo della ceramica contemporanea e delle sue differenti applicazioni. Gli artisti che hanno reso possibile questa esperienza grazie al loro entusiasmo ed alla loro professionalità sono: Pirjo Eronen, Elettra Cipriani, Oriano Zampieri, Angela Palmarelli, Sara Kirshen, Debora Mondovì, Robert Kilarski, Annalisa Guerri, Ugo Paolelli.

Il portico antistante la sala espositiva è allestito con un’installazione d’arte elettroacustica di sculture risonanti in terracotta ispirate all’antica “teoria dei quattro elementi” o “dottrina dei quattro umori”, introdotta da Pitagora di Samo e divenuta principio fondamentale della terapeutica medievale. I “quattro elementi” sono rappresentati da altrettante sculture la cui espressività è sottolineata dalla musica che, prendendo spunto dai suoni della terra, dell’aria, del fuoco e dell’acqua, li elabora e li trasforma fino a raggiungere la loro completa trasfigurazione e sublimazione. Le opere sono state progettate dall’artista Debora Mondovì in collaborazione con la compositrice Silvia Lanzalone per mettere in risalto le peculiarità dell’ambiente naturale integrandosi con la vegetazione e con la struttura architettonica circostante. La musica è studiata appositamente per essere diffusa dalle sculture; il dialogo tra i suoni emessi dalle sculture e i suoni tipici del luogo rinnova la percezione del giardino aprendolo a nuove modalità di fruizione. Le opere risuonano in corrispondenza di determinate frequenze dello spettro acustico e consistono di volumi cavi di diverse forme e dimensioni entro cui i suoni, prodotti tramite dispositivi elettroacustici, vengono amplificati o attenuati coerentemente alla conformazione e alla grandezza delle cavità. La musica ha stimolato e suggerito le forme scultoree; le sculture partecipano all’elaborazione dei suoni e alla loro diffusione.

Le sculture risonanti sono il risultato di una ricerca che Terra&Bits – gruppoartelettroacustica sta compiendo da diversi anni, nell’intento di approfondire il rapporto tra tecnologia e materia attraverso una ricerca estetica rivolta all’integrazione dei linguaggi espressivi e alla creazione di una condizione unitaria ed un equilibrio armonico tra forma, suono e spazio.

Terra delle Risonanze è un progetto itinerante e modulare composto da installazioni concepite per i giardini. Il progetto è stato realizzato presso il Giardino della Minerva di Salerno, il Museo delle Culture Villa Garibaldi di Riofreddo, l’Accademia Americana – Villa Aurelia di Roma ed è in via di programmazione presso il Linnéträdgärden dell’Università di Uppsala.

L’esposizione è accompagnata inoltre, da una documentazione video di approfondimento sul rapporto tra materiali naturali e tecnologia inerente alla ricerca artistica del gruppo Terra&Bits, in collaborazione col Villino Medioevale Technotown.

 Musica e installazioni sonore Silvia Lanzalone

Opere in ceramica Elettra Cipriani, Pirjo Eronen, Annalisa Guerri, Robert Kilarski, Sara Kirshen, Debora Mondovì, Angela Palmarelli, Ugo Paolelli, Oriano Zampieri

Assistente artistico Robert Kilarski

Assistenti musicali Clelia Vitaliano, Viviana Palladino

Mostra: ‘Terra delle Risonanze – frammenti’, laboratorio didattico con esposizione di opere in ceramica ed installazione d’arte elettroacustica. Progetto a cura di Debora Mondovì, installazioni a cura di Terra & Bits – gruppoartelettroacustica.

 Dove: Roma, Museo della Casina delle Civette, portico e sala espositiva. Villa Torlonia, Via Nomentana 70.

 Inaugurazione: martedì 11 ottobre 2011, ore 15.30. Interverranno Maria Grazia Massafra responsabile Museo Casina delle Civette, Valentina Grippo Assessore alla Cultura III municipio, Fausto Sebastiani presidente di Nuova Consonanza. Documentazione video ore 15.30 – 17.30 presso Technotown, Villino Medioevale, Sala dipartimento.

Evento: giovedì 17 novembre, ore 10.30, cerimonia di consegna del pannello decorativo.

Documentazione video ore 10.30 – 12.30 presso Technotown, Villino Medioevale, Sala dipartimento.

 Quando: 11 ottobre – 20 novembre 2011

Orario: 9.00-19.00. Chiuso il lunedì; la biglietteria chiude 45 minuti prima.

 Laboratorio ceramica: martedì e venerdì, dalle 15.00 alle 18.00, aperto a tutti previa prenotazione sala espositiva della Casina delle Civette. Per prenotazioni rivolgersi al 3402382237 o tramite mail a mondovd@tiscali.it oppure presso La Casina delle Civette durante gli orari di laboratorio.

Giovedì e venerdì, dalle 10.00 alle 13.00, decentramento del laboratorio del Centro Diurno Palestro Sala espositiva della Casina delle Civette.

Biglietti: Sala espositiva e laboratorio, ingresso con biglietto del Museo Casina delle Civette; € 4.00 intero, € 3.00 ridotto, gratuito per le categorie previste dalla tariffazione vigente.

 Collaborazioni:, Centro Diurno Riabilitativo Via Palestro RM/A , Paolelli Passione Ceramica, Conservatorio Statale di Musica ‘G. Martucci’ di Salerno, Villino Medioevale Technotown, Magazzino Cooperativa Sociale Integrata, Banche Finmeccanica, Lotto, Vodafone

Patrocini: III Municipio di Roma Assessorato alla Cultura, Federazione CEMAT, Istituto Italiano di Cultura ‘Carlo Maurilio Lerici’ di Stoccolma

Promossa da: Associazione Nuova Consonanza, Assessorato Politiche Culturali e Centro Storico Sovraintendenza Beni Culturali di Roma Capitale, Musei di Villa Torlonia Casina delle Civette

Con il contributo: Atac, La Repubblica

Servizi museali: Zètema

Ufficio stampa: info@nuovaconsonanza.it

www.museivillatorlonia.it